Женитьба
1865 год ознаменовался для молодого мецената женитьбой на довольно образованной для того времени двадцатилетней девушке Вере Николаевне Мамонтовой. Невеста воспитывалась в такой же семье, как и он, и очень тепло относилась к музыке и в целом к искусству. Через время у них рождаются дочери, а позже и сын Михаил. Но, к сожалению, он рос болезненным ребёнком и требовал к себе постоянного внимания. Жизнь Михаила была недолгой.
Деятельность Павла Михайловича направлена на коллекционирование работ его современников и художников — демократов отечественной школы. Сердцем галереи Третьякова считаются работы И. Н. Крамского, В. И. Сурикова и Е. Репина.
Артем Лоскутов. Из черной резины сделана власть, €10 000
Артем родился в 1986 году в Новосибирске и окончил физико-технический факультет Новосибирского государственного технического университета. Первоначально Лоскутов прославился организацией ежегодного шествия «Монстрация» в Новосибирске, получившего премию «Инновация», и некоммерческого кинофестиваля «Киноварь». Он также занимается уличным искусством, снимает фильмы и рисует. Более 30 его работ написаны так называемой «дубинкой» (собственный стиль Артема) – краска на холст наносится с помощью полицейской дубинки. В 2019 году было продано 30 работ художника.
В 2020 году он продал одну из таких картин под названием «Беларусь» за 3 миллиона рублей покупателю, пожелавшему остаться неизвестным. Половину суммы Артем перевел на поддержку протестных движений в республике.
Работа Артема «Сила из черной резины» была продана на аукционе Vladey за €10 000.
Быт советской кухни
Противостояние двух миров было средой советского человека с самого начала столетия. Оно начинает проявляться в дизайне в первые же годы после революции на волне модернистских идей. Они представлены работами Родченко, Степановой, студентов ВХУТЕМАСа.
Яркий пример утопической мечты о новом будущем — кухня из дома Наркомфина. Она существует только в виде проекта и потому на выставке представлена реконструкцией. Рядом с ней на том же подиуме разметили керогаз — небольшую керосиновую конфорку, на которой на самом деле готовил советский человек.
Между двумя этими крайностями находятся более традиционные предметы обихода, но и в них есть образы мечты. Например, у стены в зале стоит деревянный буфет с революционными звёздами. За его стеклом — супницы и тарелки. Такие же классические, как и шкаф, но с символикой нового времени: фаянс расписан портретами юных октябрят на фоне флагов и агитационными лозунгами. Что интересно, ни у керогаза, ни у буфета, ни у столовой посуды — повседневных предметов быта — не предполагается имени автора.
Фотография: Ольга Кондратова / Skillbox Media
Посуды на выставке не очень много — ровно столько, чтобы проследить её эволюцию от авангарда начала ХХ века до авангарда века XXI. В одной из витрин расположен комплект детских поильников, разработанных под руководством Татлина. Они часто встречаются в учебниках как образец безупречного функционального дизайна. В двадцатые годы ещё не было пластиковой посуды, поэтому поильники специально сделали так, чтобы фарфор не разбился, если случайно выпадет из рук. Для этого при проектировании формы были проведены точные расчёты распределения нагрузки на материал.
Рядом находится чайный сервиз Малевича. В отличие от поильников, его угловатые формы сложно назвать эргономичными. И это тоже следование мечте: в будущем возможно всё, а удобство — это слишком прозаично.
Читайте историю чайного сервиза Малевича в нашей статье.
Фотография: Ольга Кондратова / Skillbox Media
Дарья Калугина, 25
Калугина работает с темой личной и коллективной памяти взросления. В качестве источника ученица Владимира Дубосарского использует видео и фотографии из семейного архива, перенося их на красочные полотна методом мультиэкспозиции, что создает эффект некой эфемерности. Когда смотришь на ее работы, чувствуешь, как перед тобой исчезают тонкие очертания собственных воспоминаний.
А кричащие цвета создают ощущение тревоги, соответствующее тематике работ, где милая маленькая девочка с бантиками может быть запечатлена на фоне висящих разделанных свиных туш. Но чьи фотоальбомы конца 1990-х не содержали подобных странностей? Кстати, у Дарьи уже была персональная выставка (и не где-нибудь, а в галерее «Триумф»).
Олег Целков
Русский советский художник, который с 1977 года живёт и работает в Париже (ему пришлось уехать под властями советских властей). Лауреат негосударственной российской премии «Триумф». Один из самых известных шестидесятников, чьи картины, начиная с «Портрета», содержит единственный сюжет — образы деформированного человеческого лица и фигуры, напоминающие зловещие маски или человекоподобного мутанта.
Цитата (из произведения Сергея Довлатова «Соло на ундервуде»): «Когда-то Целков жил в Москве и очень бедствовал. Евтушенко привел к нему Артура Миллера. Миллеру понравились работы Целкова. Миллер сказал:
— Я хочу купить вот эту работу. Назовите цену.
Целков ехидно прищурился и выпалил давно заготовленную тираду:
— Когда вы шьете брюки, то платите двадцать рублей за метр габардина. А это, между прочим, не габардин.
Миллер вежливо сказал:
— И я отдаю себе в этом полный отчет.
Затем он повторил:
— Так назовите же цену.
— Триста!— выкрикнул Целков.
— Триста? Чего? Рублей?
Евтушенко за спиной высокого гостя нервно и беззвучно артикулировал: «Долларов! Долларов!»
— Рублей? — переспросил Миллер.
— Да уж не копеек! — сердито ответил Целков.
Миллер расплатился и, сдержанно попрощавшись, вышел. Евтушенко обозвал Целкова кретином…
С тех пор Целков действовал разумнее. Он брал картину. Измерял ее параметры. Умножал ширину на высоту. Вычислял, таким образом, площадь. И объявлял неизменную твердую цену:
— Доллар за квадратный сантиметр!»
А если вы интересуетесь искусством, почитайте и другие статьи на invme:
Warren Chang
Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.
Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.
Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.
Wojciech Babski
Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с живописью. В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.
Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.
Ксения Драныш
Ксения Драныш практикует работу в различных форматах — это графика, живопись, перформанс, скульптура, диджитал-медиа. Используя самоанализ и личные дневники, она исследует проблему самоидентификации, область бессознательного и социальные сети как форму репрезентации.
Ксения Драныш — участница 2-й Триеннале российского современного искусства, член Творческого союза художников России в секции «Новейшие течения», многие ее работы находятся в частных коллекциях, а некоторые присутствуют в коллекции ММОМА. Она участвовала более чем в 30 выставках, пять из которых были персональными.
Работы художницы можно увидеть и купить в Iragui Gallery, на онлайн-платформах VIVART и A-s-t-r-a. Произведения Ксении также можно посмотреть и приобрести в ее Instagram-аккаунте @xeniadranysh_art.
Карл Брюллов
Карл Брюллов — выдающийся русский живописец.
Карлу повезло больше, он родился в творческой семье, его отец занимался художественной резьбой. Он заметил, что у мальчика есть способности и отправил его обучаться рисованию в Академию Художеств.
Брюллов успешно закончил обучение, а картина «Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского» принесла ему золотую медаль и возможность отправиться за границу за казенный счет.
Карл уехал в Италию, там он написал несколько картин. «Последний день Помпеи» — самая знаменитая работа Брюллова, но по-настоящему популярным его сделали портреты. Он рисовал представителей итальянской знати и своих соотечественников.
Также его интересовали исторические темы, чуть позже он увлекся религиозной тематикой. В последние свои годы в России он расписывал Исаакиевский собор, по настоянию врачей покинул страну.
Художник дожил до 52 лет, смерть была внезапной.
Самые известные картины: «Последний день Помпеи», «Всадница», «Одалиска».
Ольга Чернышева
Ольга Чернышева, родившаяся в 1962 году, выросла после распада Советского Союза и после периода цензуры и ограничений на поездки она стала первой русской, получившей образование в Рейксакадемии Амстердама. Сегодня Чернышева прочно закрепила свои позиции на сцене современного искусства. Ее работы, часто перемещающиеся между разными средами, позволяют заглянуть в мир постсоветской России. Ее фотографии и фотомонтажи, сфокусированные на последствиях капитализма и коллективизма, иллюстрируют ее социологический подход к российскому обществу и повседневной жизни его граждан. Ее интерес к приземленной реальности московских улиц завораживает и открывает новый взгляд на современную российскую жизнь.
Английское местоимение Which
Which переводится «кто/который/какой», используется, когда речь идёт о неодушевлённых предметах или животных.
Как и предыдущее местоимение, which в повествовательных вопросах употребляется как дополнение или подлежащее:
- It is the recipe which I created. – Это рецепт, который придумала я (which – дополнение).
- Don’t forget about the notes about which I told earlier. – Не забудь о заметках, о которых я говорила ранее (which – дополнение).
- The new recipe which was published in the magazine draws a lot of attention. – Новый рецепт, который был опубликован в журнале, привлекает много внимания (which – подлежащее).
- My sister has become a famous singer who has many fans all around the world. – Моя сестра стала известной певицей, у которой много фанатов во всем мире (which – подлежащее).
В вопросах используется в качестве:
2Алексей Дубинский
Работы этого художника можно было бы назвать абстрактным экспрессионизмом. Но за каждой абстракцией тут стоит фигура – в прямом смысле, человеческий образ. Причем это не случайные люди и не плоды фантазии – это знакомые, друзья, родственники самого автора. Практически все полотна Дубинского – это портрет, но в особенном, новом исполнении. У кого-то спутанный клубок вместо головы, а чье-то лицо напоминает акварельный космос. У других же лицо – единственный четкий эпизод картины. Кроме живописи Алексей Дубинский работает в жанрах фотографии и коллажа, а порой совмещает все три варианта. Экспрессия и абстракции – всегда здорово (вместе и по отдельности), потому что мы вряд ли когда-либо узнаем, какой смысл закладывал художник, зато можем вложить свой собственный (или даже почувствовать). Но если вам все-таки хочется приблизится к разгадке первоначальной авторской задумки – попробуйте изучать полотна целыми сериями, а не по отдельности.
Светлана Шуваева
Стратегия творчества Светланы Шуваевой — избегание определенного и считываемого стиля. С одной стороны, она восхищается людьми, которые способны рисовать только черной краской всю жизнь или работать только с деревом, а с другой, понимает, что подобная присяга материалу, цвету или технике максимально ей не подходит.
фото: Анастасия Соболева
Художница участвовала во многих групповых выставках, организовала семь персональных. Большинство проектов были показаны в галереях и музеях, в том числе международных. В 2016 году комитетом ярмарки современного искусства Cosmoscow девушка была названа художником года и получила возможность сделать специальный проект «Передумали? Ничего страшного!», который был показан на ярмарке. Позже работа участвовала в первой Триеннале современного искусства в музее «Гараж».
В 2019 году Светлана попала в шорт-лист премии «Инновация», где художница была удостоена специального приза от губернатора Нижегородской области — резиденции в галерее «9Б» в Нижнем Новгороде. В этом же году Антверпенский музей M HKA приобрел в свою коллекцию инсталляцию Шуваевой «Последние квартиры с видом на озеро» и показал ее публике. В начале 2020 года был выпущен тираж сказки «Замечательная ракета» Оскара Уайльда с иллюстрациями художницы.
Работы Шуваевой представлены на сайте консалтингового агентства SmartArt, их также можно увидеть на странице Светланы в Instagram @svetatien.
«Постоянство памяти», 1931
«Постоянство памяти», 1934, Сальвадор Дали. Находится в Нью-Йоркском музее современного искусства
Художник
Полотно написал испанский художник-сюрреалист Сальвадор Дали
Он сдетства был эксцентричным и притягивающим ксебе всеобщее внимание. За85 лет онсоздал около 1500 произведений, включая сюрреалистические картины, иллюстрации, скульптуры. Сальвадор Дали был известен при жизни
Он стал автором нескольких автобиографических книг, сценариев, разработал логотип Chupa-Chups, работал сУолтом Диснеем над мультфильмом Destino, участвовал всоздании фильмов Луиса Бунюэля иАльфреда Хичкока. Также Дали создал всвоем доме вПорт Лигат 44 бронзовые статуи. Художник вдохновлялся восновном своими сновидениями, самоанализом итеориями Фрейда
Сальвадор Дали был известен при жизни. Он стал автором нескольких автобиографических книг, сценариев, разработал логотип Chupa-Chups, работал сУолтом Диснеем над мультфильмом Destino, участвовал всоздании фильмов Луиса Бунюэля иАльфреда Хичкока. Также Дали создал всвоем доме вПорт Лигат 44 бронзовые статуи. Художник вдохновлялся восновном своими сновидениями, самоанализом итеориями Фрейда.
История
Постоянство памяти— небольшое полотно, которое Сальвадор Дали создал всего запару часов, пока его жена Гала была сдрузьями вкино. Сам художник непошел, сославшись намигрень. Изначально Дали писал мыс Креус, новтот день онвзглянул накартину ипонял, что полотну нехватает какой-то идеи, смысла. Онуснул иперед ним предстал образ мягких часов, стекающих светви высохшей оливы. Сам Дали говорит, что наобразы текучих часов его навел мягкий сыр камамбер, которым они ужинали накануне.
Небольшая картина была очень личной для художника. Позже Дали вспоминал, как показал её Гале: Янаблюдал затем, как она разглядывает картину икак отражается наеелице очаровательное удивление. Так яубедился, что изображение производит эффект, ибо Гала никогда неошибается.
Стиль
Постоянство памяти относится к сюрреализму. Мягкие часы выражают основную мысль, озарившую Дали— идею оботносительности времени и его нелинейности. Часы текут вразные стороны, демонстрируя то, как легко вернуться впрошлое или повлиять набудущее. Художник осознавал хрупкость иискусственность привычного понимания времени, очем говорят изображенные накартине твердые часы, поедаемые муравьями, которые символизируют конечность, смертность, разложение.
Однако понятие времени неразрушается полностью— это подтверждают образы яйца, лежащего на берегу, атакже зеркало, будто объединяющее море инебо. В глазах художника время противоречиво иотносительно, нопри этом все равно может существовать исоздавать полотно мира.
Интересные факты
- Сам Сальвадор Дали дал лишь два комментария ккартине: отом, что намягкость часов его навели мысли о камамбере, иотом, что при написании ондумал одревнегреческом философе Гераклите иего высказывании Все меняется, все течет.
- Через несколько дней после написания работы еекупил американец Джулиан Леви, уверяя Дали, что Постоянство памяти непринесет коммерческого успеха ибудет просто висеть унего дома.
Почитайте другие материалы об искусстве на . Например, нашу подборку о сюрреализме в живописи, или о самом дорогом художнике современности .
Нестор Энгельке. Деревянная Даная. Из серии «Деревянные прогулки по Эрмитажу», €9 000
Нестор Энгельке – потомственный архитектор, родившийся в семье архитекторов и искусствоведов. Он окончил Петербургскую Академию художеств имени И. Е. Репина и стал практикующим архитектором. Еще учась в средней школе Академического художественного лицея имени Б. В. Иогансона, Нестор начал тесно общаться с Александром Цикаришвили и Леонидом Цхе, и благодаря этой дружбе появилось художественное объединение «Север-7».
Как художник Энгельке предпочитает работать с деревом. Он разработал технику «росписи по дереву» и сделал этот материал основным предметом своего искусства. Энгельке использует дерево в качестве холста и работает над ним топором, а не карандашом. В одном из интервью Нестор также упомянул, что большое влияние на него оказали произведения, увиденные им на новоязской выставке британского искусства в Эрмитаже.
Художник-мессия
Герман Нитч. 1-я акция, 19 декабря 1962
Фотография
Важнейшей задачей венских акционистов — и в первую очередь Германа Нитча — было побороть коллективную амнезию австрийского общества, где трагические и постыдные страницы недавнего прошлого, включая активную поддержку нацистов, оказались табуированными темами. Ещё в 1957 году Нитч начал разрабатывать концепцию своего «Театра оргий и мистерий», который позволял бы воссоздать опыт катарсиса, характерный для дионисийских оргий и наследующих им античных трагедий. Однако его первая акция состоялась только в 1962‑м: Нитч, одетый в белые одежды, стоял у стены, словно распятый, руки его были вздёрнуты вверх верёвками, а Отто Мюль поливал его краской. Сознательно уподобляя себя Христу, Нитч декларировал, что его задача как художника — указать человечеству спасительный путь, выход из духовного и психологического тупика. В театре Нитча художник или любой участник его акции, символически отождествляя себя с Иисусом, берёт на себя «всю вину и сладострастие мира» — во имя «познания ликования от воскресения».
Эгон Шиле. Автопортрет в образе святого Себастьяна, 1914
Бумага, карандаш, 32,3 × 48,3 см
Мессианский характер своего искусства в полной мере осознавали и австрийские экспрессионисты начала века, смело отвергавшие все принципы и установки как социума, так и художественного сообщества своего времени. Они уподобляли себя то христианским мученикам, то самому Христу — гонимому толпой и распятому в качестве преступника. Неслучайно «Автопортрет в образе святого Себастьяна», где Шиле изобразил себя пронзаемым стрелами (критики?), он затем использовал при создании афиши для своей выставки в галерее Арно в 1915 году.
Трехмерная графика в искусстве XXI века
Славится искусство 21 века необычными картинами в 3D графике. С развитием компьютерных технологий художники получили доступ к новым средствам создания своего искусства. Суть трехмерной графики состоит в создании изображений при помощи моделирования объектов в трехмерном пространстве. Если рассмотреть большинство форм современного искусства в 21 веке, создание трехмерных изображений окажется наиболее традиционным. 3D графика имеет множество сторон, в прямом смысле этого слова. Ее используют при создании программ, игр, изображений и видео на компьютере. Но ее также можно заметить прямо под ногами – на асфальте.
Трехмерная графика перебралась на улицы несколько десятилетий назад и с этого времени остается одной из важнейших форм уличного искусства. Многие художники рисуют на своих «картинах» объемные изображения, способные поразить своей реалистичностью. Эдгар Мюллер, Эдуардо Ролеро, Курт Уеннер и многие другие современные художники сегодня создают искусство, способное удивить любого.
Самые дорогие современные художники
Среди того несметного количества имен, которые насчитывает современная живопись, картины лишь определенных художников пользуются исключительным успехом. Среди них самые дорогие картины оказались у известного неоэкспрессиониста и граффитчика Жана-Мишеля Баскиа, который, однако, погиб в возрасте 27 лет. В нашем же списке вы увидите лишь первую семерку тех состоятельных художников, которые здравствуют и по сей день.
Брайс Марден
Работы этого американского автора довольно трудно классифицировать и привести к единому арт-направлению, хотя его часто относят к представителям то минимализма, то абстракционизма. Но в отличие от художников в этих стилях, к чьим картинам будто бы никто никогда не прикасался, современная живопись Мардена сохраняет в себе мазки мастихином и другие следы его работы. Одним из тех, кто повлиял на его творчество, считается другой современный художник Джаспер Джонс, имя которого вы еще встретите далее.
Среди работ этого автора можно увидеть полотна «Греческое лето», «Времена года», «Гидра», «Возвращение I» и множество других картин.
Цзэн Фаньчжи
Данный современный художник – одна из главных фигур китайской арт-сцены на сегодня. Именно его работа под названием «Тайная вечеря», созданная по мотивам знаменитого произведения Леонардо да Винчи, была продана за 23,3 миллиона долларов и стала самой дорогостоящей картиной, которой может похвалиться современная азиатская живопись. Известными также являются работы художника «Автопортрет», триптих «Госпиталь» и живопись из серии «Маски».
В 90-е годы стиль его живописи часто претерпевал изменения и в итоге ушел от экспрессионизма в символизм.
Питер Дойг
Питер Дойг – всемирно известный шотландский современный художник, чье творчество пронизывает тема магического реализма. Многие его работы имеют свойство дезориентировать зрителя, даже когда они изображают узнаваемые образы вроде фигур, деревьев и зданий.
В 2015 году его картине «Swamped» удалось побить рекорд и получить звание самой дорогой картины современных художников из Шотландии, будучи проданной на аукционе за 25,9 миллиона. Популярны и полотна Дойга «Дом архитектора в лощине», «Белое каноэ», «Отражение», «Придорожная закусочная» и другие.
Кристофер Вул
В своем творчестве современный художник Кристофер Вул исследует различные постконцептуальные идеи. Наиболее известные современные картины художника представляют собой блочные надписи, изображенные черным цветом на белом полотне.
Подобные картины современных художников вызывают массу споров и недовольств среди приверженцев традиционной живописи, но, так или иначе, одна из работ Вула – «Апокалипсис», – принесла ему 26 миллионов долларов. Над заголовками картин Вул долго не думает, а называет их соответственно надписям: «Синий дурак», «Неприятности» и т. п.
Джаспер Джонс
Современный художник Джаспер Джонс известен своим бунтарским отношением к абстрактному экспрессионизму, который господствовал на арене живописи в начале карьеры художника. Более того, он работает, создавая дорогостоящие полотна с флагами, номерными знаками, цифрами и другими общеизвестными символами, которые уже обладают ясным значением и разгадывать их не нужно.
Кстати, в самые дорогие картины современных художников входит работа американца «Флаг», проданная на аукционе в 2010 году за 28 миллионов долларов. Можете также посмотреть на работы «Три флага», «Фальстарт», «От 0 до 9», «Мишень с четырьмя лицами» и многие другие.
Герхард Рихтер
Этот современный художник из Германии, как и многие живописцы в начале своего пути, обучался реалистичной академической живописи, но впоследствии увлекся более прогрессивным искусством.
В творчестве автора можно увидеть влияние многих арт-направлений XX века, таких, как абстрактный экспрессионизм, поп-арт, минимализм и концептуализм, но вместе с этим Рихтер сохранил скептическое отношение ко всем устоявшимся художественным и философским убеждениям, будучи уверенным в том, что современная живопись – это динамика и поиск. К работам художника относятся «Страна лугов», «Чтение», «1024 цвета», «Стена» и т. д.
Джефф Кунс
И, наконец, вот он – самый дорогой современный художник всего мира. Американец Джефф Кунс работает в стиле нео-поп и известен своим броским, китчевым и вызывающим творчеством.
В основном он известен как автор огромного множества современных скульптур, часть которых выставлялись в самом Версале. Но также среди работ художника есть и картины, за которые особые ценители готовы отдать миллионы долларов: «Колокол свободы», «Авто», «Девушка с дельфином и обезьяной», «Седло» и другие.
Самопознание
Рихард Герстль. Автопортрет с палитрой, 1908
Холст, масло, 139,3 × 100 см
«Обнажённый автопортрет», созданный Рихардом Герстлем буквально за несколько недель до самоубийства, — самый ранний пример подобного типа изображений в австрийском экспрессионизме. Несколько позже радикальное предъявление себя и собственных аффектов станет отличительной чертой творчества Шиле. Появление в австрийском искусстве худосочных изломанных тел получило эстетическое обоснование в работе Юлиуса Мейер-Грефе «История развития современного искусства» (1904). В этом труде автор характеризовал художественную атмосферу австрийской столицы так, словно у него перед глазами стоял автопортрет Герстля: «Эта молодая Вена предстала слишком быстро повзрослевшим человеком, страшно высоким, но жутко худым, хилого телосложения и не по годам подверженным пороку».
Гюнтер Брус. Афиша акции «Тест на прочность», 1970
Бумага, двусторонняя печать, 29,7 × 21 см
В контексте имперской идеологии Австро-Венгрии начала века уязвимое и ранимое тело само по себе казалось вызовом властным и иерархическим структурам — точно так же, как и акции венских акционистов с характерным для них мотивом разрушения и унижения плоти. В то же время Гюнтер Брус, например, видел смысл своих акций в самопознании, проверке себя на прочность. Собственное тело и осознание трагической заключённости в нём, подчинение духа страдающей плоти — вот одна из центральных тем в творчестве как австрийских экспрессионистов, так и акционистов. Тело художника радикально обнажается в автопортрете Герстля, выворачивается наизнанку в экспрессивных работах Шиле и наконец подвергается вполне реальному насилию в ходе акций Гюнтера Бруса, и всё это «саморасчленение» осуществляется ради прорыва в зону универсального и интерсубъективного опыта — к самой сердцевине человеческого существования.
Рейтинг современных художников России. Опубликован список Лучших современных художников России
Первый маркетплейс современного российского искусства ARTEEX опубликовал список Лучших современных художников России. Список включает имена 104 авторов среднего и молодого поколения (не старше 1961 года рождения), получивших общественное, экспертное или институциональное признание. В него вошли как уже широко известные в арт-среде художники (академики РАХ, народные, заслуженные художники Российской Федерации, лауреаты премий в области искусства), так и молодые авторы, чей талант отмечается экспертами в области современного искусства.
Список Лучших современных художников России опубликован на сайте проекта.
Cписок Лучших современных художников России составляет основу проекта ARTEEX, который создает информационное поле, посвященное авторам, входящим в Список, их творчеству, содействует формированию арт-рынка работ лучших современных художников.
Список лучших художников объединяет авторов по всем возможным направлениям признания, как по формальным критериям признания творчества авторов, так и по характеристикам арт-рынка их работ. Также сегодня список Лучших современных художников России (ARTEEX) является единственным открытым перечнем, заявиться в котором может любой современный автор, имеющий экспертную поддержку.
ARTEEX продолжает работу по дальнейшему формированию и обновлению Списка, который предполагает, по замыслу его создателей, содержание в своем составе до 199 имен лучших художников. Целью ARTEEX является создание максимально объективного списка лучших современных авторов, составленного по всем возможным направлениям признания их таланта.
Маркетплейс ARTEEX является частью проекта поддержки современного изобразительного искусства AQ Projects, в рамках которого в 2017 году при участии ведущих экспертов созданы некоммерческие арт-рейтинги современных художников 49ART и МНЕ НРАВИТСЯ.
ARTEEX приглашает всех ценителей современного искусства предлагать новые имена авторов, которыми правомерно должен быть дополнен список Лучших.
Виталий Комар
Советский и американский художник, который до 2003 года работал в соавторстве с Александром Меламидом. Дуэт «Комар & Меламид» считается основателем направления «Соц-арт». Они познакомились в Строгановском художественном училище. В 1974 году их «Двойной автопортрет» был уничтожен на «Бульдозерной выставке». В 1977 году оба эмигрировали в Израиль, а потом — в США
Он имел несколько успешных выставок в США, привлекших внимание западной и российской прессы. Несколько картин Комара и Меламида приобретены нью-йоркскими музеем «Метрополитэн» и Музеем современного искусства
Цитата: «Согласно некоторым теологам, у каждого человека есть два ангела. Один падший, который склоняет нас к саморазрушению с целью наслаждения. А другой ангел самоуничтожение допускает, но во имя альтруизма, когда жизнь приносится в жертву ради детей, ну или ради идей. В конечном итоге саморазрушения не избежать, и наша жизнь — замедленная съемка смертного приговора, вынесенного законами природы. В этом смысле оба ангела — часть Божественного замысла. В теологии предполагается, что Бог допустил падение ангела с целью дать нам свободу выбора. Чтобы мы не автоматически становились добры».
Заключение
Данная тема не так сложна для понимания, однако, содержит много нюансов, обязательных к изучению. Рекомендуем составить собственную таблицу, где будут прописаны все указанные выше тонкости, исключения, особенности и приведён пример на каждый пункт.
Чтобы не путать местоимения и помнить разницу в использовании между ними, нужно знать:
- с какими существительными (одушевлённым/неодушевлённым) они употребляются;
- в каких придаточных предложениях (ограничительных/описательных);
- в официальной/разговорной речи;
- конкретные случаи употребления и исключения.
Эти пункты помогут вам разобраться в большом объёме информации и структурировать её удобным образом. Не забывайте периодически просматривать правило употребления этих местоимений, чтобы освежить и закрепить его в памяти.