99 лет сюрреализма Энрико Донати
Энрико Донати — итальянский художник. Он родился в Милане в 1908 году, а умер в Нью-Йорке в 2007. За свой век он успел захватить периоды зарождения, развития и становления сюрреализма. Правда, к искусству пришёл не сразу. Пробовал себя в музыке, антропологии, даже изучал культуру древних индейцев. В 26 он переехал в США, затем вернулся обратно в Европу, где понял своё предназначение и посвятил себя живописи. Правда задержаться в Париже художнику не удалось. Как и многие, Энрико отправился в США, как только началась война, а там познакомился с писателем Андре Бретоном и создал первые работы в стиле сюрреализма — картины и скульптуры, полные загадок и секретов.
Энрико создал собственный художественный стиль. Донати экспериментировал с поверхностью и структурой полотна. Он добавлял песок и пыль в специальные клеевые краски. Именно эта техника отличает полотна Донати.
В 1940 году появляется картина «Корпускула и город». Вся она — загадка. А уже в 1947 году от плавных, аморфных форм Донати переходит к геометрии. Одна из его самых известных работ — «Башня Алхимика», где объекты уже не плавают в пространстве, а получили конкретные формы и место. Художник изучает мир магии, химии, кристаллов. Ещё одна работа этого периода — «Загадка ветра». Она погружает зрителя в необычные образы.
Энрико Донати, «Корпускула и город» (1940)
Энрико Донати, «Загадка ветра» (1947)
история
В США в 1960-е годы, особенно в Калифорнии и Нью-Йорке, в современном искусстве возникло стилевое направление, противопоставившее принципам абстракционизма, неформального искусства и тахиизма новый фигуративный реализм. Он был основан на точности фотографического изображения действительности, без каких-либо субъективных эмоций, изображенных с клинической точностью до мельчайших деталей, тем самым демонстрируя самую холодную объективность, возникает гиперреализм.
История гиперреализма, как и родственного ему фотореализма, насчитывает немногим более полувека и берет свое начало с конца 1960-х гг.. Новые стили появились во многом благодаря значительному улучшению технических возможностей фототехники в те времена. . На рынке появились камеры с высоким разрешением, которые идеально подходили для создания качественных изображений. Это послужило толчком к созданию картин по фотографиям с использованием художественных приемов и инструментов.
Гиперреализм — это термин, используемый для обозначения стиля художников, которые создают картины или скульптуры, напоминающие фотографии с высоким разрешением. Гиперреализм считается ответвлением фотореализма из-за схожих методов, используемых для создания гиперреалистичных картин или скульптур. Этот термин в первую очередь применяется к независимому художественному движению и стилю, который развивался с начала 2000-х годов в США и Европе.
Французское слово гиперреализм происходит от бельгийского арт-дилера Изи Брашо, который использовал его в качестве названия крупной выставки в своей брюссельской галерее в 1973 году. Эту выставку возглавили такие американские фотореалисты, как Ральф Гоингс, Дон Эдди, Чак Клоуз и Ричард Маклин. , но были и другие важные европейские художники, такие как Гноли, Клафек, Рихтер и Делколь. С тех пор термин гиперреализм использовался художниками и дилерами для обозначения художников, находившихся под влиянием фотореалистов.
Попытки сделать главных героев максимально реалистичными можно увидеть уже в древности. Чрезмерный акцент на реальности приводит к тому, что работы, созданные таким образом, кажутся немного угрожающими. В области пластического дизайна много сотен лет назад предпринимались попытки создать устрашающие фигуры богов, которые благодаря подбору материала и реалистичной живописи кажутся почти живыми. К этой идее художественного творчества вновь обратились в конце XNUMX века.
Одним из самых успешных творцов этого жанра был Вильгельм фон Руман, вызвавший особый резонанс своей фигурой «римского водоноса». Руманн, родившийся в Ганновере в 1850 году, умерший на Корсике в 1906 году, был сыном мюнхенской школы. Скульптор создавал скульптуры из глины и терракоты, а также из цветной бронзы, которые он делал реалистичными с помощью экспрессивной живописи. Новое возрождение этого художественного стиля произошло в Америке в конце XNUMX-х гг.
Такие художники, как Малкольм Морли, Дуэйн Хэнсон и Джон де Андреа, создавали фигуры из воска и подобных материалов, которые они проектировали с такой точностью, что их можно было принять за живых людей. Реалистичные изображения бездомных, например, производили удивительные эффекты. Посетителей выставок художника пугала порой ужасающая действительность. В 1969 году Нэнси Грейвз выставила в музее Уитни трех верблюдов в натуральную величину, сделанных настолько реалистично, что их можно было принять за настоящих.
Работы гиперреалистов вызвали большой интерес у критиков и публики, но в течение следующих 10 лет массовое увлечение ультрасовременным искусством постепенно прошло. Вторая волна интереса к гиперреализму была вызвана появлением широкодоступной цифровой фотографии в начале XNUMX века. По сравнению с аналоговыми технологиями разрешение неподвижных изображений значительно улучшилось.
У художников наконец появилась прекрасная возможность делать качественные фотографии и использовать их в качестве основы для своих картин и рисунков
Гиперреализм сегодня является важной частью современного изобразительного искусства. Выставки произведений художников этого стиля неизменно собирают большие толпы зрителей, а лучшие работы охотно раскупаются меценатами из разных стран
Главные образы сюрреалистов
На этих картинах — люди, животные, гибридные существа. Иногда пейзажи трансформируются в новые и фантастические. На многих работах изображены предметы и символы из мира магии, например, жезлы и змеи.
Макс Эрнст, «День и ночь» (1941-1942)
Особенными для сюрреалистов были женщины. Художники верили, что у женщин есть магические способности и особая связь с силами природы. Поэтому их изображали как богинь, ведьм и волшебных гибридных существ, например, с задними конечностями льва. Часто можно увидеть обнажённые женские тела. Правда, некоторые представители направления критиковали такой подход. Например, Леонор Фини и Доротея Таннинг. Обе художницы считали, что так женщины становятся объектами вожделения.
Ремедиос Варо, «Небесная каша» (1958)
Часто встречается тема «королевской свадьбы». Иногда действительно можно увидеть короля и королеву, но порой это могут быть солнце и луна, огонь и вода. Вещи, на первый взгляд противоположные, сливаются в новое и превращаются во что-то особенное.
Макс Эрнст, «Химическая свадьба» (1948)
Виктор Браунер, «Любовники» (1947)
Идея слияния и преобразования противоположностей берёт начало из алхимии. Алхимики исследовали природные вещества, например, камни и металлы. Они пытались преобразовать их, чтобы создать новые. Например, превратить свинец в золото. Это превращение получилось у сюрреалистов. Маленькие кусочки золота, как символ трансформации, можно отыскать на их картинах.
Виктор Бреннер, «Философский камень» (1940)
Виктор Браунер, «Сюрреалист» (1947)
Путь к мирному протесту
В 1966 году, Йоко Оно, японская художница и музыкант, представила инновационную игру, которая стала важным моментом в истории антивоенного протеста. Эта игра, называемая «Песочница», имела целью донести антивоенное послание и вдохновить людей на мирный протест.
Игра «Песочница» была создана Йоко Оно в ответ на подъем неонацистских движений в Японии в послевоенный период. Она была озабочена растущей агрессией и страхом перед возобновлением войны
Фотография событий Второй мировой войны и ее ужасы всегда были живыми в памяти Йоко Оно, и она решила использовать этот опыт, чтобы убедить людей в важности мира
Игра «Песочница» была представлена с использованием пленки фотографий, собранных Йоко Оно, изображающих ужасы войны и ее последствия. Участники игры должны были рассматривать эти фотографии и задумываться над тем, как можно избежать повторения таких событий.
Игровой процесс был организован в виде коллективной деятельности. Поделенные на группы, участники игры должны были вместе предложить решения, как можно противодействовать войне и создать мирное будущее.
Игра «Песочница» позволила участникам рассмотреть и обсудить различные способы протеста и мирного сопротивления. Она открыла для них новые возможности для коллективного действия и вдохновила на то, что мирный протест может быть эффективным инструментом изменения.
Мастерская, созданная Йоко Оно, стала платформой для развития этой игры и других антивоенных проектов. Она предлагала участникам комфортное место для общения и обмена идеями, став центром для инициатив, связанных с протестом против войны и насилия.
Таким образом, игра «Песочница» стала важным шагом в развитии антивоенного движения и привнесла новые идеи и перспективы в мир протеста.
Мотивация и вдохновение
Игра, изменяющая правила и вызывающая негативные реакции – вот как можно описать работу искусствоведки и фотографа Йоко Оно. Ее комфортная и традиционная атмосфера сначала харламла, но затем стала настоящей песочницей для непривычного ветра. Фотографии известных деятелей, исполняющих роли второй мировой войны, были написаны в ее мастерской на пленку, чтобы нарушить эстетику и вызвать раздражение.
Комфорт. Большинство игроков привыкли к уютной и предсказуемой обстановке, а Йоко Оно специально создает дискомфорт, что заставляет задуматься о происходящем и вызывает новые эмоции.
Харлам. Многие люди консервативно относятся к изменениям и не хотят отклоняться от привычного пути
В своих работах Йоко Оно харламит эти нормы, заставляя обратить внимание на то, что иначе могло быть.
Песочница. Так можно описать окружение, которое создала Йоко Оно своими экспериментами
Люди в игре пытаются найти свое место, но могут потеряться и почувствовать себя неуютно.
Фотография. Одним из инструментов Йоко Оно стало искусство фотографии, которое помогло передать идеи и атмосферу игры. Фотографии известных деятелей в роли участников второй мировой войны вызывают смешанные чувства и заставляют задуматься о войне и ее последствиях.
Работы Йоко Оно вносят элементы неожиданности и вызывают эмоции у зрителей. Она нарушает привычные рамки и стандарты, открывая новые горизонты и переосмысливая уже знакомые вещи.
Опасность и реакция
В 1966 году артистка Йоко Оно представила антивоенную позицию в своей игре, которая стала актов в студии под названием «Царство харламд». Она использовала пленку, песочницу и игрушечные фигурки, чтобы показать реакцию на вторую мировую войну и насилие в мире.
Игра «Царство харламд» представляет собой модель города, в котором находится мастерская Йоко Оно. В этом городе можно увидеть разрушенные здания, разбитые игрушки и пожары. Она создала эту игру, чтобы показать, что война нарушает комфорт и безопасность жизни.
Цель игры заключается в том, чтобы создать собственный город, в котором нет насилия и разрушений. Для этого игрокам предлагается выбрать путь мира и сотрудничества, вместо пути насилия и разрушений. Игра «Царство харламд» ставит под сомнение идеологию войны и призывает к миру и гармонии.
Однако, «Царство харламд» не была безопасной игрой. Когда Йоко Оно впервые представила игру на выставке, она столкнулась с охотниками на неонацистов. Они объявили, что игра Йоко Оно является антипатриотической и опасной, и провели акцию против нее. Несмотря на это, Йоко Оно продолжала представлять свою игру публике и защищать свою антивоенную позицию.
Игра «Царство харламд» стала символом противостояния насилию и войне. Она показала, что каждый человек может внести свой вклад в создание мира и гармонии, а комфорт и безопасность могут быть достигнуты только путем сотрудничества и мира.
Первая публичная акция
В 1966 году Йоко Оно провела свою первую публичную акцию, которая изменила игру и привлекла мировое внимание к ее антивоенной позиции. Ее акция была представлена в форме пленки, на которой были изображены неонацисты, военные солдаты и разрушения, связанные с Второй мировой войной
Целью акции Йоко Оно было явно продемонстрировать жестокость и бессмысленность войны. Ее намеки на неонацистов и харламд были направлены на то, чтобы показать, что никто не должен нарушать мир и комфорт других, ведя войну.
Фотография, которая была частью акции, показывала детей, играющих в песочнице в окружении разрушенных зданий и разбитых игрушек. Этот сильный образ визуализировал ужасы войны и вызвал широкий отклик у многих людей.
Первая публичная акция Йоко Оно стала важным моментом в ее карьере и привлекла к ней внимание как художника и активиста, участвующего в борьбе за мир и против войны
Выбор игры и формата
В 1966 году на экраны кинотеатров вышла пленка Йоко Оно «Да, приходите в гости». В этой песочнице, фотографии-мастерской Йоко Оно, зрители смогли увидеть антивоенную позицию артистки.
Фоном для прорыва Йоко Оно стала фотография из второй мировой войны. Йоко Оно представила мир со своей точки зрения, показав на фото вражеский харламд и неонацистов.
Она создала формат фотографии, который позволил нарушать стереотипы и вызвал замешательство у зрителей.
Выбрав такую игру и формат, Йоко Оно смогла наглядно продемонстрировать свою антивоенную позицию и вызвать у зрителей размышления о войне и насилии
Она использовала сильные эмоциональные образы, чтобы привлечь внимание к проблеме войны и ее последствий
Игра и формат, выбранные Йоко Оно, позволили ей выразить свое мнение и запечатлеть его в истории искусства. Ее работы стали примером того, как искусство может быть использовано для передачи социальных и политических идей.
Воздействие на массы
Мастерская Йоко Оно стала песочницей для новой формы искусства, которая активно использовала медиа для своего роста. Игра с пленкой, музыкой и образами позволила Оно создать необычные произведения, вызывающие интерес и реакцию у зрителя.
В 1966 году Йоко Оно провела акцию, которая явно выражала антивоенную позицию. Она показала на экране фрагменты фильма о Второй мировой войне, сопровождая их музыкой и текстами протестных песен
Данная акция привлекла внимание не только своей нестандартной формой, но и ярко выраженными антифашистскими взглядами
Неонацисты, пытаясь дискредитировать Йоко Оно и ее идеи, попытались провести акцию, которая стала реакцией на ее протесты против войны. Представители Харламда, экстремистской организации, забили театр, в котором проходила акция Оно. Однако, это не смогло нарушить комфорт зрителей и победить их интерес к антивоенному посланию художницы.
Таким образом, Йоко Оно с помощью кинематографического материала и музыки сумела создать мощный эмоциональный и информационный взрыв, который нарушил привычные рамки у зрителей и смог заинтересовать их темой антивоенного протеста. Оно дала возможность людям увидеть и понять войну и ее последствия на новом уровне, пробудив в них чувство ответственности к миру и глубокое сочувствие к жертвам бесчеловечных конфликтов.
Эйвери Сингер (1987 г.р.)
Художественный язык Эйвери Сингер заимствует эстетику цифрового коллажа и часто использует черный, белый и оттенки серого для создания уникального изобразительного мира, который уже покорил европейские музеи (Музей Стеделийк в Амстердаме в 2016 году и Музей Людвига в Кельне в 2019 году) и американские МоМА, Музей Уитни
При поддержке мегагалерей она привлекает внимание крупных коллекционеров даже в Азии
Эвери Сингер дебютировала на аукционе в 2017 году, когда ей было всего тридцать, и ее первый холст был продан за 36 000 долларов. В следующем году ее «Fellow Travelers, Flaming Creatures» (2013) были проданы за 735 000 долларов на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке всего за несколько месяцев до официального объявления о ее представительстве влиятельной галереей Hauser & Wirth (в декабре 2019 года). Наиболее информированные участники торгов знали, что делают…
Эвери Сингер. «Fellow Travelers, Flaming Creatures» (2013).
Художник + зритель
«Йоко Оно выводит понятие искусства на качественно новый уровень и приглашает зрителя стать соавтором ее произведений. Она стала одной из первых, кто выступил за сотрудничество в искусстве между художником и зрителем», – рассказывает Гуннар Б. Кваран.
На выставке художницы в лондонской галерее Indica в 1966 году ее соавтором стал Джон Леннон. Музыканта заинтересовала инсталляция «Потолочная картина / ДА картина». Зрителю нужно было подняться по белой лестнице к стеклянной раме на потолке и разглядеть с помощью лупы слово YES, написанное на маленьком листе за стеклом. С этой выставки, по рассказам главных действующих лиц, и началась история их отношений. Позже вместе с Ленноном художница записала сингл Give Peace a Chance, основала группу Plastic Ono Band и выпустила несколько музыкальных альбомов.
Творчество для Йоко Оно – коллективный процесс, в котором решающую роль играет доверие. Для московской выставки она предложила шести российским художникам объединиться для инсталляции «Водное событие / Water Event» – новой версии проекта, существующего с 1971 года и повторяющегося в разных версиях. Ольге Кройтор, Ивану Новикову, Максиму Спивакову, Анне Титовой, Стасу Шурипе и Свете Шуваевой нужно было создать сосуд, воду для которого предоставила сама Йоко Оно. Так в пространстве ММОМА появились гипсовая подушка с проекцией изображения спящей художницы Ольги Кройтор, лампа, где на месте основной чаши – половина белого помело, и ваза изо льда.
«В историческом контексте Йоко – одна из немногих, кто трансформировал искусство в идею, она уничтожает понятие объекта и низвергает само искусство, которое всегда было священным. Художники всегда пытались сохранить эстетику объекта, а Йоко Оно, наоборот, стирает это понятие, и все, что остается, – это идея. Для нее идея уже предмет искусства», – объясняет куратор.
О выставке
В музее Барберини выставили работы сюрреалистов из 15 стран мира. Всего представлено 50 коллекций. Основа экспозиции — картины из музея «Коллекция Пегги Гугенхайм» в Венеции. Пегги была известной галеристкой и покровителем некоторых сюрреалистов, собирала и хранила выдающиеся работы.
Авторы
На выставке представлены картины известных сюрреалистов — Сальвадора Дали, Джорджио де Кирико, Макса Эрнста и Рене Магритта. В экспозиции также есть произведения менее популярных, но интересных авторов, например, Виктора Браунера, Энрико Донати, Оскара Домингеса, Вифредо Лама, Вольфганга Паалена, Роланда Пенроуза и Курта Зелигманна. Отмечен и вклад женщин. Можно познакомиться с работами Леоноры Каррингтон, Леонор Фини, Жаклин Ламба, Кей Сейдж, Доротеи Таннинг и Ремедиос Варо.
Концепция
Выставка «Сюрреализм и магия. Зачарованная современность» — первая комплексная ретроспектива, в которой рассматривается интерес сюрреалистов к магии и мифам.
Здесь есть чем вдохновиться. Образы, цвета, истории. Здесь всё по-другому. Например, тёмные оттенки могут олицетворять надежду, а лёгкие и воздушные пастельные тона символизировать распад мира и предчувствие перемен. Отправляемся в путешествие!
Личная жизнь
В 23 года Йоко Оно, несмотря на запреты родителей, выходит замуж за японца Тоси Итиянаги. Он был талантливым, но бедным композитором. Это было время, когда дeвyшка стремилась заслужить любовь и признание публики. Она регулярно устраивала выставки и перфомансы, которые заканчивались неудачами. Критики не воспринимали ее творчество всерьез. Это привело дeвyшку к депрессии. Она пыталась несколько раз покончить с собой, но супруг Тоси каждый раз ее спасал. Когда родители Йоко узнали об этом, они поместили дeвyшку в психиатрическую больницу.
Йоко Оно и первый муж Тоси Итиянаги
Об этом узнал и американский кинопродюсер Энтони Кокс, который был большим поклонником творчества Йоко. Энтони отправился в Японию, чтобы поддержать дeвyшку. По окончании лечения он забрал Йоко в Нью-Йорк и стал продюсировать ее проекты. На тот момент дeвyшка была еще в бpaке с Итиянаги, но, недолго думая, она оставляет своего супруга и выходит замуж за Кокса. В бpaке родилась дочка Кёко.
Энтони Кокс и Йоко Оно с дочерью
1966 год стал для Йоко Оно судьбоносным. В лондонском художественном салоне «Индика» проходила ее выставка. Именно там она и познакомилась с участником группы «The Beatles» Джоном Ленноном. На тот момент Леннон был женат на Синтии Леннон, а Йоко была в бpaке с Коксом. После этой встречи художница начала активно добиваться внимания певца.
Йоко Оно и Джон Леннон
Женщина могла часами сидеть у его дома, а однажды она попала внутрь. Ее пустила Синтия, чтобы художница вызвала такси. Позднее она заявила, что в доме у Леннонов она якобы забыла кольцо. Йоко присылала письма с угрозами, требовала денег. В итоге в ноябре 1968 года Джон и Синтия Леннон развелись. Главной причиной разрыва стала измена певца. Синтия застала мужа и Оно в собственной постели.
Йоко Оно с детьми
После этого Йоко Оно расстается с Энтони Коксом, и 20 марта 1969 года Йоко и Джон регистрируют официальный бpaк в Гибралтаре. В 1975 году у них родился сын Шон. Это произошло в день рождения самого Джона Леннона – 9 октября. Кстати, их сын пошел по стопам отца. Он тоже стал музыкантом.
Но до рождения сына в паре были проблемы. Они даже расставались на полтора года. Супруги переехали в Нью-Йорк, но им никак не удавалось получить вид на жительство. И если Леннон был готов вернуться в Лондон, то Оно была категорически против. Дело в том, что ее дочь Кёко жила с отцом в Америке, и женщине не хотелось лишать себя общения с дeвoчкой.
Йоко Оно и Сэм Хавадтой
Вскоре после cмepти Леннона Йоко вышла замуж за дилера антикварных вещей Сэма Хавадтоя, их бpaк распался в 2001 году.
Мария Беррио (1982 г.р.)
Колумбийская художница Мария Беррио изучала искусство в Нью-Йорке в Школе дизайна Парсонса и получила степень магистра в Школе визуального искусства. В настоящее время она живет в Нью-Йорке и создает изящные картины, сделанные из слоев японской бумаги, произведения со сказочными акцентами, которые ставят под сомнение текущие события, отводя при этом большое место изображению женщин.
Вскоре после групповой выставки в Victoria Miro (организованной совместно с The Great Women Artists) Мария Беррио официально присоединилась к списку художников, поддерживаемых этой влиятельно галереей, которая с тех пор представляла ее работы в Лондоне, Нью-Йорке, Лос-Анджелесе и других местах через ярмарки и выставки.
Когда Мария Беррио дебютировала на аукционе в ноябре 2021 года, ее работы уже были известны крупным коллекционерам. По этому случаю Sotheby’s предложило ее «FLor», полотно 2013 года, оптимистично оцененное в $120 000, но торги не прекращались, пока не достигли $927 500! В этом году ее рынок еще больше ускорился: в первом семестре было около десяти транзакций, в том числе два результата превысили порог в миллион долларов.
Мария Беррио, Flor, 2013
Кристина Куорлз (1985 г.р.)
Кристина Куорлз воплощает и ставит под сомнение социальные проблемы, работая с темами меньшинств, тела и сексуальности, идентичности и пола. Галерея Hauser & Wirth, к которой она присоединилась в 2021 году (через два года после Эйвери Сингер), представляет ее как “queer and cis”, рожденную от черного отца и белой матери. Ее представляет могущественная структура Hauser & Wirth, чьи галереи и филиалы распространились от Цюриха до Гонконга — в Лос-Анджелесе, Нью-Йорке, Монако, а вскоре планируется открытие в Париже (открытие весной 2023 г.).
Кристина Куорлз« Night Fell Upon Us Up On Us » (2019)
Перформанс: что это такое?
Чаще всего перформанс заранее спланирован, но иногда его точный ход не может предсказать никто. Взаимодействие художника и зрителя это главное в перформансе, причем оно может быть как просто визуальным, так и предполагать прямой контакт. По сути перформанс это один из видов акционизма. Отличие от обычных визуальных форм искусства в том, что главное в перформансе это не само произведение, а художник и его взаимодействие с публикой. Музыкальное, танцевальное или цирковое выступление тоже могут называться перформансом, но мы сейчас говорим о нем, как о явлении в современном искусстве, где он представляет собой намного более сложное и многогранное понятие.
Семечки подсолнуха
Художник: Ай Вэйвэй
Год выпуска: 2008
Семечки подсолнуха (2008) — Ай Вэйвэй
Ай Вэйвэй считается архитектором китайского модернизма и он самый известный современный художник из Китая. Он также остается известным активистом, который открыто критиковал позицию китайского правительства в отношении демократии и прав человека. Семечки подсолнуха (Kui Hua Zi) — это художественная инсталляция, созданная Вэйвэем, которая состоит из более чем 100 миллионов фарфоровых семян подсолнуха, покрывающих пол площадью 1000 квадратных метров и глубиной 10 см. Произведение искусства было впервые выставлено в галерее современного искусства Тейт в Лондоне с октября 2010 по май 2011 года. Семена подсолнуха были частой темой китайской политической пропаганды в детстве Гая. В китайском искусстве того периода Мао Цзэдун изображался как солнце, а народ Китая — как семена подсолнуха. Своей инсталляцией художник показывает нам необъятность Китая, где отдельное семя мгновенно теряется среди миллионов. Семечки подсолнуха выставлялись в 12 выставках с 2009 по 2013 годы в музеях и галереях всего мира.
Бpaк с Джоном Ленноном.
Оно впервые встретила Леннона из «The Beatles» 9 ноября 1966 года, когда он посетил предварительный просмотр ее выставки в галерее «Indica» в Лондоне, Англия. Леннон был очарован позитивным, интеpaктивным хаpaктером ее работы. Он особо отметил лестницу, ведущую к черному полотну с подзорной трубой на цепочке, на которой было написано слово «Да» на потолке. Примерно через 18 месяцев между ними завязался роман. Леннон развелся со своей первой женой Синтией (с которой у него был сын Джулиан, родившийся в 1963 году) и женился на Оно 20 марта 1969 года. Супруги сотрудничали в художественных, кино-и музыкальных проектах, а также прославились серией «концептуальных мероприятий», направленных на укрепление мира во всем мире, включая «В постеле за мир», состоявшийся в номере амстердамского отеля во время их медового месяца в 1969 году. После замужества с Ленноном оно боролась со своим бывшим мужем из-за опеки над Киоко. Она записала песню «Don’t Worry Kyoko» как попытку достучаться до своего ребенка. В 1971 году ее бывший муж исчез вместе с Киоко, и Оно долгие годы не знала, что случилось с ее дочерью. Судя по всему, Киоко провела более десяти лет, живя в религиозном культе под названием «Прогулка с отцом».